No he leído ninguno de los libros escritos por Stieg Larsson que conforman la famosa trilogía Millennium, tampoco me interesó ver las adaptaciones suecas que gozaron de cierto éxito hace un par de años; la única razón por la que asistí a ver la nueva adaptación gringa de The Girl with The Dragon Tattoo es porque tiene a David Fincher en la dirección. No puedo tener un punto de comparación entre la versión europea y la americana, tampoco puedo poner a discusión el trabajo de adaptación del libro a la película. Lo que sí puedo mencionar es que para un neófito de todo ese universo como yo, Fincher preparó una película muy entretenida y eso me complace mucho. Desde la secuencia de créditos uno puede darse cuenta de la influencia del director, como aquella introducción lúgubre y torcida en Se7en, o el viaje encefálico en Fight Club; Trent Reznor y Karen O’ realizan una poderosa obertura con Immigrand Song que nos permite imaginar que habría pasado si Led Zeppelin hubiera incursionado en el Metal Industrial. Entré a la sala sólo con el póster como única referencia visual y me encontré con una historia para nada extraordinaria pero sí bastante bien contada. Fui a verla con una amiga que es fan de los libros pero que califica a las adaptaciones suecas como pasables y nada más; cuando terminamos de ver esta nueva adaptación ella me comentó que le pareció infinitamente superior al trabajo de Niels Arden Oplev, no me extrañó puesto que Fincher ha tenido mucho éxito adaptando obras literarias al cine, Fight Club y Social Network lo respaldan bastante bien; en palabras de mi acompañante “el fan de los libros se sentirá complacido”. Si al igual que yo deciden ver esta película únicamente porque se trata de David Fincher o porque les da curiosidad, van a salir igual de satisfechos. Como plus: Rooney Mara se ve increíble aun sin cejas.

“Y fue ahí cuando dije ¡Guacala! Te lo juro me quería salir, y no es que la película fuera mala, realmente es muy buena; me gustó mucho la idea pero el giro me dio mucho asco. Descubrir que (…)”.

Así comenzó un amigo a relatarme su experiencia con La piel que habito, la más reciente película de Pedro Almodóvar. Mientras seguía escuchando un despliegue de aversiones con un alto nivel de prejuicios, me venía a la mente la idea de que Almodóvar bien puede declararse triunfador en ese apartado, independientemente si era o no su intención (yo me atrevería a decir que sí), me refiero al de provocar morbo culposo. Con esta película, encasillada en un genero muy curioso al que muchos gustan llamar “no el mejor trabajo del director pero sí superior a cualquier otra vesche comercial del momento” el español proyecta una historia donde las obsesiones son magnificadas y llevadas al limite, a un punto donde el prejuicio punza como picadura de abeja. Las películas de Almodóvar son una gran forma de medir la cantidad de prejuicios que lleva una persona, y eso es fácil de detectar con sutiles detalles como las risas de incomodidad, los gestos de desagrado, los sordos pero bien repetidos “Ay Dios mío”, los “qué mamada es esa”, los “no mames”; de hecho, si uno logra poner la suficiente atención, casi es posible escuchar el sonido del viento cortándose por la rapidez con la que los creyentes se persignan (ok tal vez estoy exagerando). Pero lo interesante está en el hecho de que la gente sigue yendo a ver lo nuevo de Almodóvar, se repite así mismo su rezo exprés de confianza y sin embargo se queda ahí para satisfacer su lado morboso, para ser testigo de algo que no está acostumbrada por la enorme represión de emociones que lleva encima pero que Almodóvar, con gran destreza, se los grita en cada escena: somos humanos, con pasiones, con secretos, con perversiones, ni buenos, ni malos, humanos nada más.

La película nos presenta a Robert Ledgard (Antonio Banderas con una interpretación sorpresivamente buena, por supuesto es gracias a Almodóvar) un cirujano plástico cuya obsesión radica en su más reciente experimento, una joven llamada Vera (Elena Anaya) que posee algo más que una piel perfecta. La historia aunque predecible y tomando el gastado pero efectivo ‘Complejo de Dios’ como referencia resulta entretenida, la producción es buena, en el sentido técnico está bien realizada. En mi opinión, su apartado más cuestionable es el conglomerado de géneros que el director intenta desarrollar sin mucho éxito; en ocasiones se presenta un drama, otras intenta ser un thriller, y hasta unos estrepitosos violines intentan llegar de la mano con el terror. Existen momentos introspectivos que pretenden revelar cierta psicología de personajes pero sin mucho éxito ya que Almodóvar se esforzó mucho más en darle cabida a varios géneros y hacerlos funcionar de forma alternada, tanto así que sus personajes no parecen tener una carga emocional tan compleja como los que habitualmente presenta en sus trabajos.

Bastante entretenida sí, en efecto es la película menos complicada del director pero aun así es recomendable, muy interesante como indicador de moralinos. Tal vez sea idea mía pero los trailers contienen una dosis alta de spoilers y sin ser muy perspicaz, es fácil darse cuenta del giro que toma la trama, evítenlos si aun no han visto la película y están interesados.

El espectador, el que contempla el trabajo, el que lo admira y se emociona, lo sorprende y lo ama o lo repudia y lo olvida, también el crítico, el que opina y genera una tendencia, el que recomienda y aprueba, o también el que escupe y entierra; siempre he aspirado a ser un buen espectador y un buen crítico, pero nunca a ser el que crea el contenido, qué curioso resulta el sentido de ironía que tiene la vida. Me la pasé gimoteando en un principio por mi falta de habilidad con la cámara, por mi pobre visión cinematográfica y por el temor de arruinar todo ese concepto tan valioso que tengo del cine; ya lo acepté, no hay ni una sola pizca de talento en mi ser para capturar emociones y crear historias a través del lente, por eso he tenido que trabajar el doble y afortunadamente he tenido el apoyo de mí pequeña productora para impulsar estos proyectos que no hicieron más que enriquecer mi experiencia cinematográfica. Pasé de (ya sin tanto drama) espectador y crítico a creador y director de una gama de cortometrajes que si bien no son perfectos, algunos de ellos bien vale la pena ver por méritos técnicos, simbólicos o ideológicos. He presentado a través de mi página de Facebook todos los que recibieron cierta calificación aprobatoria y la gente ha respondido como nunca lo hubiera imaginado, eso ha sido muy gratificante, muchas personas nos han felicitado por el esfuerzo y el reconocimiento que hemos logrado, todas esas palabras de aliento se siente bien, sin embargo es hora de que el trabajo trascienda más allá de un circulo cercano.

A lo largo del semestre, Enrique Delfín, mi profesor de Apreciación Cinematográfica (todo un Obi–Wan dentro del género) proyectó al grupo una serie de películas para hacer más fácil la comprensión de distintos estilos que revolucionaron la forma de hacer cine. Dos películas que disfruté en grande fueron Sunset Boulevard, un clásico del cine negro y Manhattan, el capricho de Woody Allen que se convirtió en obra maestra. Con la primera pude confirmar que el cine negro sigue siendo mi género favorito después de la ciencia ficción: escenarios y personalidades retratadas sin maniqueísmos, ni buenos ni malos, humanidad decadente, enferma, virtuosa en ocasiones pero inescrutable y complicada. De Manhattan simple y sencillamente que Woody Allen es el puto amo del guión, amé desde la secuencia inicial hasta las sibaritas charlas de sus personajes cosmopolitas con su correspondiente carga emocional, diálogos de problemas existenciales que una persona promedio apenas si podría llegar a imaginar; “Woody Allen en su mejor momento” me decía Delfín mientras comentábamos la secuencia. Sin embargo, aunque no me sentí atraído en un principio, no puedo dejar de mencionarla: The Return, una joya del cine ruso, fue una de esas películas de difícil digestión pero de la que aprendí más que de ninguna otra; el estilo impresionista fue uno de los más difíciles de reproducir en la práctica, la verdad lamenté mucho que esta película no hubiera llegado antes de la presentación del cortometraje impresionista, pero fue gracias a The Return que por fin comprendí como los escenarios también pueden revelar diversas sensaciones y ser parte total de una historia.

Ya con un amplio referente encima, el trabajo no resultó tan complicado como en el semestre anterior, no digo que haya sido fácil o que todo se grabara al instante y sin el menor esfuerzo, de hecho en los últimos cortometrajes el ingenio no parecía estar al tope como al principio del semestre, los guiones no salían del todo bien y la producción de vez en cuando entraba en un estado soporífero, pero sin duda todo fue más ameno y con una mejor visión de lo que queríamos proyectar. Por supuesto hubo también grandes tropiezos, como el primer cortometraje al estilo Lumière (el cual pueden apreciar debajo de este post) donde introducimos un corte por mera costumbre, nuestro fallido cortometraje surrealista que es más obvio que la señaletica de un restaurante (aunque el resultado me gustó tan sólo por el trabajo de edición), el trabajo humorístico/critico que nos enseñó que lo que es gracioso para alguien no necesariamente lo hace gracioso para todos, y finalmente el correspondiente al género de suspenso (probablemente los apartados más difíciles) que quedó tan mal que ni siquiera nombre le pusimos.

Este post es para presentarles los trabajos realizados a lo largo del semestre (aquí la lista de reprodicción, la mayoría están en HD de 720p ), como el que encabeza el escrito, el cortometraje al estilo Godard, descarado y aparentemente mal hecho, fue una sorpresa para toda la producción –y en especial para mí– que se haya convertido en nuestro cortometraje más aplaudido, pero también escribo estas líneas para agradecer a toda la gente involucrada en estos proyectos, a los que nos alentaron para continuar grabando como hasta ahora, a los que juzgaron el trabajo y encontraron aunque sea una virtud, y sobre todo a los que creyeron en un quejumbroso director sin talento, a todos ellos muchas gracias. Esperen más de ©Caña Producciones y a nombre de todos los que conformamos el equipo les deseo felices fiestas.

Si quieren ver más del proyecto Lumière and Company, visiten este canal para ver el trabajo de cineastas profesionales.

¡Miren es La Antorch... Lucas Lee en traje de Capitán América!

La última película de Marvel este año es nada más ni nada menos que la de un personaje que difícilmente podría tener cabida y causar empatía fuera de los Estados Unidos, pero que sorpresivamente está siendo acogida con mucho éxito pese a su ñoña creación, es decir: Captain America: The First Avenger.

Creo que la mayoría sabe (y si no pues aquí el Wiki) que el origen del personaje data como una forma propagandística de alimentar el espíritu de lucha norteamericano durante su participación en la segunda guerra mundial; como consecuencia de eso, el sentimiento nacionalista y los ideales del sueño norteamericano son inherentes al héroe, en pocas palabras, el proceder y las creencias del Capitán América son en cierta forma bobas e irrelevantes, no sólo por su país de origen sino por la época en que fue creado. Cuando el personaje fue retomado por Marvel hace más de cuatro décadas, tuvo que lidiar con esa tonta y muy arraigada insignia del centinela de la libertad ¿Qué hizo Marvel para que un personaje que ya en esos tiempos parecía demasiado ridículo funcionara a tal grado de volverlo icónico? Lo mismo que en la película, hacer mofa de su origen y humanizar al patriota.

Joe Johnston se apega al origen que Marvel decidió replantear para el personaje pero también respeta su incursión en la segunda guerra mundial y menciona su pasado en secuencias que realizan una sátira a sus primigenios intereses de propaganda. Lo que se ve en pantalla no es sólo el origen ñoño de un impulso para las fuerzas armadas de aquel entonces, tal parece que el director se tomó unos minutos para leer algunos de los principales arcos por los que ha pasado el personaje y –como la mayoría de las películas actuales de Marvel– basar mucho de su origen en una de sus variantes más exitosas (y mi favorita) en muchos años, el universo Ultimate. Antes de pasar a los datos que probablemente sólo a los clavados del cómic les importarán, debo decir que para el espectador promedio, este filme será cumplidor con las dosis de acción y escenas heroicas, mas no hay que olvidar que se trata de otra historia donde Norteamérica gana la guerra contra sus enemigos a través del coraje de un hombre (lo cual fue parcialmente cierto, al menos en el punto de que ganaron la guerra), lo que hace más descarada a esta, es que el héroe no gasta en sutilezas para demostrar su patriotismo, todo su traje grita “América es la nación ganadora”, y aunque estamos tan acostumbrados a ver que los gringos lo pueden todo gracias a las cien producciones con el mismo tema cada año, aquí podría llegar a ser incomodo que un personaje con los colores de la bandera estadounidense te los estén recordando a cada rato; por suerte el humor y los complejos que se inyectan directamente de los cómics hace más fácil digerir cada momento patriótico de la película.

Ahora bien, pasemos al contenido clavado, mencioné el universo Ultimate y las ventajas que éste les ha brindando a las películas de Marvel en los últimos años; en Capitán América, lo que más ayudó –en mi opinión– fue el diseño del traje, el cual luce muy parecido al de esta relativamente nueva línea editorial, otra está en las incursiones de personajes y enemigos que al igual que en Ultimate realizan una reinterpretación de todo lo acontecido. No mencionaré cuantos guiños hay porque arruinaría todo, pero déjenme decirles que hay muchísimos, más de los que he visto en cualquier otra película de Marvel, y serán perceptibles si le has dado seguimiento a la casa editorial no sólo en participaciones del personaje, sino en otras historias. Hacer del libertador algo más que una mezcla de idealismos arcaicos no ha sido fácil, pero se ha logrado con resultados increíbles (Avengers Disassembled y Civil War, dos arcos que he disfrutado mucho y en los que se demuestra una participación bien lograda del personaje), los cómics han ayudado bastante al éxito de un personaje muy exclusivo de su país de origen a triunfar en proyecciones extranjeras, a mi gusto no rebasa lo que se logró este año con X-Men: First Class pero resulta entretenida y con muchos puntos complacientes para el fanático, además, si quieres ver una probadita de The Avengers al final de los créditos, pues es imperdible (vaya que si prende ese teaser).

Terminé el modo de un jugador de Red Dead Redemption hace tan sólo un par de semanas, estaba un poco escéptico por mi poco afecto hacia el género western, ergo un videojuego con dicha ambientación no me entusiasmaba, lo compré porque las calificaciones en varios sitios habían sido más que favorables, es más, para muchos representó el juego insignia del 2010 (un poco tarde, lo sé). Después de más de sesenta horas de juego, debo decir que esos cabrones de Rockstar se lucieron nuevamente, que ese score en Metacritic es la jodida verdad y que me alegro de que así sea.

John Marston, su historia y su entorno no serán para nada las ideas más originales que hayamos visto en mucho tiempo, de hecho cada elemento de RDR en cuanto al héroe y su argumento son un cliché, pero si funcionan tan bien en un videojuego, es gracias a que Rockstar convierte el cliché en la esencia misma del gameplay, un homenaje interactivo a todas esas escenas memorables del salvaje oeste: duelos a muerte, cabalgatas en el ocaso, casería de forajidos, one-liners de un protagonista justiciero etc. El aspecto ‘clicheresco’ aquí es una ventaja porque te permite participar en cada uno de esos momentos tan indispensables pero sobreexplotados de la películas vaqueras que realmente te hacen sentir ahí. Si hicieran una película de RDR sería un conglomerado genérico del western y pasaría desapercibida, pero afortunadamente, en su condición de videojuego, todos esos elementos enriquecen la experiencia.

No se trata nada más de un Grand Theft Auto con skin del viejo oeste como muchos lo describen, es fácil pensarlo porque a final de cuentas el sandbox es algo que a la gente de Rockstar se le da muy bien, sí existe una relación entre ambos juegos además de su condición de mundo abierto, pero RDR logra separarse de esa burda descripción al unísono que la experiencia envolvente se va creando en el jugador con cada misión; eres John Marston, adoptas su filosofía, de pronto amas cabalgar a toda velocidad, cazar bestias salvajes y echar el lazo a un bandido, te conmueves de su historia y te identificas con él (aunque no tengas ni una puta idea de cómo montar a caballo y el aire del campo te provoque mareos) y todo ocurre sin darte cuenta. Maravilloso.

El toque de Rockstar está ahí no sólo por este cliché bien cuidado y totalmente jugable, el humor negro que tanto caracteriza sus juegos se encuentra en varios detalles, así como recorridos del punto A al B muy simples pero memorables. Es bueno saber que el estudio se preocupa por tener historias bien contadas sin necesidad de largas secuencias de video (Hideo Kojima necesita unas buenas lecciones por parte de la gente de Rockstar), teniendo siempre al entretenimiento del jugador como principal meta. En un mundo donde la tendencia es la guerra moderna, los perks en el multijugador son la sensación y hay diez FPS’s iguales por año, es bueno ver algo como Red Dead Redemption, sí, es un cliché al igual que la guerra moderna pero uno mejor adaptado que cualquier título que se les venga a la mente.

(…) Luego Pixie me confió que no le molestaría hacerse groupie de una banda de rock. Yo pensé en Penny Lane. Luego pensé que ese es el tipo de ptitsas que nos ha dado el rock. Esas son las hermosas ptitsas que ha legado el rock.

Pixie en los suburbios de Ruy Xoconostle

http://snakekiddo.tumblr.com/

Comencé hace casi un mes con mi equipo habitual de trabajo a pensar en una idea que pudiera expresarse de forma simple pero sobre todo apegada a nuestro propio contexto. Uno de los tips más importantes que recibí de mi profesor de Apreciación Cinematográfica, quizá el mejor para comenzar con dicha tarea, fue el de retratar un problema que nos aqueje a esta edad, no tiene caso inventarse historias de las que ni siquiera hemos sido parte o que muy remotamente viviremos; se trata de eso, reflejar lo vivido, lo que ocurre ahora. Eso se supone facilitaría el comienzo.

La idea final no me convenció del todo pero ¿qué más podría retratar? Pensaba en mucho otros problemas que me aquejan actualmente pero no encontraba como darles un sentido sin caer en el cliché de la reflexión forzada. Moisés (aka Chico Torta) por ejemplo pensaba que (y lo citaré) “cada problema que tenemos no es más que la aflicción cualquiera de un chamaco cagón”. Todos querían reflejar una historia vivida pero con el temor de que esto se volviera autobiográfico, no es que nuestros problemas no sean importantes, pero si uno se pone a pensar (minuciosamente), no es nada que uno no pueda superar haciendo exactamente lo que hacemos a diario: vivir.

Concluimos entonces que, la historia podría ser precisamente acerca de lo tonto que resulta el inventarse problemas, lo difícil sería realizarlo sin la típica apariencia de moraleja. Tristemente, abandonamos esa vertiente cuando nos dimos cuenta que el tiempo que faltaba para la entrega y la carente producción que teníamos de respaldo no nos permitirían realizar algo remotamente decente con esa idea. Lo gracioso es que ese cambio tan radical se dio tan sólo en una charla de autobús. La trama se volcó finalmente en el desmantelamiento de un arquetipo muy popular todavía a nuestra edad, el macho alfa (si, fue ‘clicheresco’ al final y traicionamos el precepto inicial pero nos confortó saber que podríamos contarlo a nuestro modo, qué ilusos).

Durante las grabaciones, veía repetidamente las escenas y me preguntaba por qué el concepto parecía no tener un sentido concreto, independientemente de los problemas de una producción precaria, de la condición amateur de nuestros actores, o de las locaciones tan conflictivas, no veía reflejado nada interesante ahí, no había propuesta, estábamos trabajando en un proyecto sin alma, quisiera culpar al síndrome pre-vacacional que nos invadió durante ese tiempo, pero ni así podría excusar todas las faltas cometidas, sólo hay una respuesta para todo lo acontecido, cada vez se hace más evidente.

Me queda claro que no tengo ni el talento ni la visión minima para contar una historia utilizando el lenguaje cinematográfico, sé cuales son la herramientas porque las he estudiado, sé los movimientos, las interpretaciones y dirección que debe llevar; sin embargo, hay una diferencia abismal entre conocer cada aspecto que conforma ese despliegue anecdótico y utilizar cada herramienta para crear uno propio. Y bueno… ¡carajo! cómo cuesta admitirlo.

Pensé en esto desde la primera vez que me permitieron usar el set de fotografía. Junto con el resto del equipo, logré resultados como este y quedé prendado del retrato, qué lastima que sólo se abordó ligeramente, incluyendo una pobre introducción al revelado digital; más lamentable aun el hecho de que aquel también fue mi último semestre en la carrera con relación a la fotografía. Aunque ahora tomo mi réflex ya no para ganarme una calificación escolar, mi pagina de Flickr continua nutriéndose sólo para beneplácito personal y por supuesto, el apartado de retrato es algo que me complace seguir practicando y compartiendo.

Andrea es mi compañera en clase de Inglés desde hace más de un año, posee un atractivo que sólo un par de imágenes podrían describir, era mi intención plasmar eso en una fotografía. Le comenté sobre el proyecto desde hace casi un mes y de inmediato se mostró entusiasta, concretamos la sesión dos semanas después de haber planeado todo y he aquí el resultado. El crédito de ella es enorme, me dijo que nunca antes había fungido como modelo pero toda la sesión se tornó sencilla gracias a su gran capacidad de improvisación y a su respuesta tan natural ante la cámara. La amé.

La composición es algo con lo que todavía batallo, y qué decir del proceso de revelado, aun estoy aprendiendo así que toda critica es bien recibida. Sin más que decir, el resto de las fotos aquí.